La música más que otras, no reconocen las fronteras políticas, comparte muchos ritmos con sus vecinos: por el norte y por el este con Brasil, por el oeste y a través del Río de la Plata, con Argentina, e inclusive, con Paraguay, ya que la cultura guaranítica atraviesa las provincias del Litoral argentino y penetra en la Banda Oriental. Así aparecen géneros compartidos como la milonga, el gato, el estilo, la litoraleña, el pericón, la cifra, la chamarrita, la vidalita, el rasguido doble, el triste, el cielito, la maxixa, el xote, la polca, el chico zapateado, etc., pero la música de Uruguay posee además ritmos que le son exclusivos, como el candombe montevideano y la murga uruguaya, que tienen su apogeo en el Carnaval, o la serranera, creada en Treinta y Tres por Rubén Lena. Y así como en algún momento aparece el candombe en Buenos Aires, pero con un alcance limitado, existe también el tango en Montevideo, con un desarrollo independiente del argentino. wikipedia
jueves, 29 de julio de 2010
Timor Oriental
Al igual que Filipinas, podemos también incluir acá a Timor Oriental. País que fue una colonia portuguesa y después que fuera anexada a la fuerza por Indonesia en 1975 hasta su total y completa independencia en 2002, durante esos años no se conocía mucho de su música. Tras alcanzar su independencia y soberanía propia, el país asiático se dio a conocer su propio estilo musical dentro de lo folclórico. La música timorense está influenciado con la portuguesa, mestizada con la Indonesia, las diferentes culturas indígenas en Oceanía y en menor medida la china. Además se asemeja en algunos ritmos musicales de Brasil. wikipedia
Portugal
La música latina transmitida como sucedió con la influencia española y la francesa, también Portugal ha transmitido por esta parte del continente como su antigua colonia como Brasil. Aunque también existe alguna mínima influencia por Uruguay debido algunas precisiones históricas, aunque mezclada con la influencia hispana. wikipedia
miércoles, 21 de julio de 2010
Obras principales de Paul Hindemith
- Sancta Sussana, ópera en un acto sobre libreto de August Stramm (1922)
- Kammermusik (Música de cámara, conciertos para diversos instrumentos, 1922-1927)
- Concierto para orquesta op 38 (1923)
- Das Marienleben, ciclo de canciones sobre poemas de Rilke (1923)
- Cardillac, ópera sobre libreto de Franz Ferdinand (1926)
- Ida y vuelta, ópera sobre libreto de Marcellus Schiffer (1928)
- Noticias del día, ópera sobre libreto de Marcellus Schiffer (1930)
- Concierto Filarmónico (1930)
- Música concertante para cuerdas y metal (1932)
- Mathis der Maler´(Matías el pintor), ópera sobre libreto propio (1934).
- Der Schwanendreher, concierto para viola y orquesta (1935)
- Trauermusik (1936)
- Mathis der Maler (sinfonía, 1938)
- Nobilíssima visione, ballet (1938)
- Tema y variaciones: los cuatro temperamentos para orquesta de cuerda y piano (1940)
- Metamorfosis sinfónicas sobre temas de Carl Maria von Weber (1943)
- Symphonia Serena (1946)
- When Lilacs Last in the Dooryard Bloom'd, réquiem para coro y orquesta, basada en poemas de Walt Whitman (1946)
- Armonía del mundo (ópera, 1953)
- Armonia del mundo (sinfonía, 1957)
- Misa para coro mixto a capella (1963)
- Lied: Wir Bauen eine neue Stadt (1923)
- Cinco cuartetos de cuerda wikipedia
academias de musica
Paul Hindemith - obras
No obstante, todas las obras posteriores a 1935 muestran que en Hindemith se produce una ruptura en ese momento, debido quizá a las presiones políticas de que fue objeto. Su estilo neoclásico se hace más tradicional, y empieza a componer de forma sistemática basándose en su tratado. También revisa y publica nuevas versiones de muchas de sus más importantes obras anteriores, revisiones en las que cambia sustancialmente el contenido original, por lo que siempre es más aconsejable escuchar las primeras versiones de estas obras. La obra más famosa de Hindemith en esta época probablemente son las Metamorfosis sinfónicas sobre un tema de Carl Maria von Weber, escritas en 1943. En esta composición, Hindemith se sirve de melodías de Carl Maria von Weber, sobre todo duetos para piano, pero también de un tema de la obertura de su música incidental para Turandot de Schiller. En su último periodo, encontramos en su música una mezcla entre este neoclasicismo tardío y un lenguaje bastante cerebral, complejo y nada accesible, basado muchas veces en la aplicación directa de su procedimiento armónico. La obra más destacable de esta época fue la ópera Armonía del mundo (1953), basada en la vida del astrónomo Johannes Kepler. wikipedia
Paul Hindemith y su historia
También durante los años 30 Hindemith comenzó a escribir cada vez más para grandes conjuntos orquestales, con obras como Música concertante para cuerdas y metal (1930) o el Concierto Filarmónico (1932). En 1933-35, escribió su ópera Mathis der Maler (‘Matías el pintor’), basada en la vida del pintor renacentista alemán Matthias Grünewald, sobre un libreto propio. Es considerada su mayor logro en el terreno de la ópera, y la sinfonía Mathis der Maler, basada en pasajes instrumentales de la misma, es una de sus obras más apreciadas.
Hindemith, como Kurt Weill y Ernst Krenek, escribió Gebrauchsmusik (‘música útil’), o sea música con un propósito político y social preciso, e incluso pensada para ser tocada por aficionados. Un ejemplo es su Trauermusik (‘música fúnebre’), escrita en 1936. Hindemith estaba preparando un concierto para la BBC cuando se enteró de la muerte del rey Jorge V. Rápidamente compuso esta pieza para viola y orquesta de cuerda, que fue interpretada el mismo día. Más tarde Hindemith rechazó el término Gebrauchsmusik, considerándolo equívoco. Por otra parte, Hindemith escribió sonatas de cámara para prácticamente todos los instrumentos, que suponen excelentes ejercicios sin renunciar a un lenguaje propio de la música contemporánea, por lo que es un compositor conocido entre los estudiantes de cualquier instrumento.
A finales de los 30, Hindemith escribió un tratado de música titulado El arte de la composición musical en el que clasifica todos los intervalos musicales, desde el más consonante al más disonante. Este texto fija la técnica compositiva de Hindemith, que siguió usando el resto de su vida. Por otra parte este libro es el más conocido entre las numerosas obras teóricas que escribió durante toda su vida, por las que es considerado uno de los musicólogos más importantes del siglo XX.
Su obra para piano Ludus Tonalis (1942) es un claro ejemplo del uso de la nueva clasificación de los intervalos. Contiene doce fugas, a la manera de Johann Sebastian Bach, conectadas entre sí por un interludio durante el que la música se desplaza desde la tonalidad de la fuga precedente a la de la fuga siguiente. wikipedia
Paul Hindemith y su música
Hindemith es considerado como uno de los músicos alemanes más importantes del siglo XX. Sus primeras obras son todavía de inspiración romántica (como el Cuarteto en do mayor o la Lustige Sinfonietta), y muestran la influencia de Johannes Brahms y de Max Reger; pasó después por una etapa expresionista, similar en su estilo a la del joven Schönberg. Más tarde desarrolló un estilo propio, que algunos consideraron (todavía hoy) de difícil comprensión. Ha sido descrito como neoclasicismo, pero es muy diferente al de las obras de Ígor Stravinski denominadas del mismo modo, estando su estilo mucho más cerca del estilo contrapuntístico barroco de Bach que de la claridad clásica de Mozart.
En la etapa expresionista de Hindemith destacan numerosas obras de cámara y canciones como el ciclo Muerte de la muerte, pero sobre todo se hizo célebre por una serie de óperas cortas, con libretos a menudo escandalosos que hicieron que adquiriera fama de compositor provocativo, y que fueron compuestas entre 1920 y 1923. Estas obras son Asesinos, esperanza de las mujeres, sobre texto del pintor Oskar Kokoschka, la comedia burlesca Nuschi-nuschi, y Sancta Sussana. A medida que avanzaban los años 20, su estilo expresionista se va acercando cada vez más al clasicismo basado en el contrapuntismo barroco. Su primera obra en este estilo es Marienleben (Vida de María, 1923), un extraordinario ciclo de canciones basado en poemas de Rainer Maria Rilke. Este nuevo estilo aparece también en una serie de obras llamada Kammermusik (‘música de cámara’) que datan de 1922 a 1927. Cada una de estas piezas fue escrita para un conjunto diferente de instrumentos (siendo algunos de estas agrupaciones completamente atípicas). Por ejemplo, la Kammermusik n.º 6, es un concierto para viola d'amore, un instrumento que había caído en desuso desde finales de la época barroca. Hindemith siguió componiendo durante toda su vida para este tipo de conjuntos, produciendo una sonata para contrabajo y piano en 1949, por ejemplo. En este estilo creó también algunas óperas importantes: Cardillac (1926), que fue considerada el mejor ejemplo de ópera alemana del neoclasicismo, la brevísima Ida y Vuelta (1928) y Noticias del día (1930). El libreto de esta última ópera enfureció personalmente a Adolf Hitler, a pesar de que en su momento fue un éxito, y su estilo cercano a veces al jazz, la comedia musical y el cabaret llegó a influir en obras de Arnold Schönberg (Von heute auf Morgen) y de Alban Berg (Lulú). wikipedia
Paul Hindemith entre 1935 -1937
Entre 1935 y 1937 fue invitado por el gobierno de Turquía, como asesor para crear un sistema de educación musical al modo occidental. En esos años, y tras la llegada de Hitler al poder, su situación fue haciéndose cada vez más complicada. Su música fue considerada "degenerada" por los nazis, y en 1938 se expatrió en Suiza. Previamente, el director Wilhelm Furtwängler había intentado interceder por él, pero los ensayos de su ópera "Matías el pintor" precipitaron su salida de Alemania. En ésta debieron de influir tanto su cercanía a la música de vanguardia (Joseph Goebbels dijo de él que era "un simple productor de ruidos atonales"), como el hecho de que la mujer de Hindemith fuera hija de un judío, el director de orquesta Ludwig Rottenberg. Tras un periodo en Suiza, en 1940 emigró a Estados Unidos, donde enseñó composición musical en las universidades de Yale y de Harvard. En 1948 se nacionalizó estadounidense, pero regresó a Europa en 1953, estableciéndose en Zúrich, en cuya universidad dictó la cátedra de musicología. En sus últimos años, Hindemith desarrolló una importante carrera como director de orquesta. De este trabajo queda el testimonio de numerosas grabaciones. wikipedia
Paul Hindemith
Paul Hindemith (Hanau, 16 de noviembre de 1895 – Fráncfort del Meno, 28 de diciembre de 1963) fue un compositor y musicólogo alemán. Su nombre se pronuncia como en idioma alemán: pául (y no como en inglés: pol).
Debido a la oposición paterna a sus ambiciones musicales, abandonó su casa a los once años, además en su juventud empezó a escuchar la viola, piano, percusiones en restaurantes, tabernas y en cafés y teatros para poder pagarse los estudios en el Conservatorio de Fráncfort, manteniéndose a base de tocar en bandas de música.
En 1915, antes de cumplir los veinte años era ya el director adjunto de la Ópera de Fráncfort, puesto que mantuvo hasta 1923. Para entonces, Hindemith ya era un compositor reconocido en los círculos de música de vanguardia. Como organizador desde 1923 del Festival de Donaueschingen, pudo programar obras de compositores contemporáneos como Anton Webern y Arnold Schönberg.
Desde 1927 fue profesor de composición en el Conservatorio Superior de Música de Berlín. En 1929 fundó el cuarteto Amar, en el que tocaba la viola, y con el que realizó numerosas giras de conciertos por toda Europa. También realizó durante toda su vida giras como intérprete solista de violín y sobre todo de viola, ya que adquirió reputación de ser uno de los mayores virtuosos de este instrumento. wikipedia
Karl Amadeus Hartmann - Influencias en su música
Hartmann no siguió ningún sistema o escuela particular, tampoco fue profesor. Su individualidad se desarrolló a partir de variadas fuentes. Hay lazos con Anton Bruckner en la amplitud de sus planes sinfónicos y también una tendencia hacia Mahler en las obras precedentes a la Primera Sinfonía (1937). Sus afinidades con Max Reger fueron más obvias, sobre todo en la rítmica marcada, en los temas fugales neo-barrocos y en la ocasional densidad sonora.
Otros elementos importantes sobre su estilo provienen de Stravinsky y Bartok. Aunque Webern fue uno de sus maestros, no tuvo una influencia inmediata sobre la música de Hartmann. No obstante su ejemplo afectó la preocupación de Hartmann por el detalle. Una última influencia provino de Blacher. Pero Hartmann no imitó a estos modelos ni fue un ecléctico. Más que nada los empleó como estímulos creativos combinándolos con cierta independencia. wikipedia
Karl Amadeus Hartmann
Karl Amadeus Hartmann ( Múnich, 2 de agosto de 1905 - 5 de diciembre de 1963,) Compositor alemán del siglo XX. Fue conocido principalmente por su labor difusora de la música de su tiempo y por sus obras orquestales, especialmente sus sinfonías.
[editar] Biografía
Hartmann estudió con Robert Haas en la Academia de München (1924-27), fue alumno de Hermann Scherchen, quien tuvo una influencia decisiva en su posterior desarrollo. Durante el régimen nazi, se retiró de la vida musical germana y no permitió que sus obras se interpretaran en su país, a pesar de que en el extranjero iba ganando fama.
En 1933 su Concertino fue estrenado en Estrasburgo y dos años después la sinfonía Miserae se presentó en el festival ISCM en Praga. El primer cuarteto para cuerdas recibió el primer premio en la competencia Carillon de Ginebra de 1936. Un año más tarde la cantata Friede-Anna 48 recibió una distinción en Viena y en 1939 la sinfonía L’Oeuvre fue estrenada en Lieja. Al año siguiente el Concerto Fúnebre fue estrenado en St.Gall. Sin embargo, todas estas obras fueron retiradas por Hartmann después de estudiar entre 1941 y 1942 con Webern.
Inmediatamente terminada la guerra, Hartmann fundó la serie de conciertos Musica Viva en München, un proyecto que rápidamente tuvo resonancia internacional y que estableció el modelo para muchas empresas similares. No fue hasta el estreno en Darmstadt de la Symphonische Ouverture (otra partitura posteriormente retirada) en 1947, que Hartmann comenzó a tener una reputación en Alemania como compositor. Varios premios se sucedieron entre 1950 y 1962, tanto en Alemania como en el extranjero. wikipedia
Guillermo Graetzer y sus obras
Pedagogía musical
- La ejecución de los ornamentos en las obra de Bach, 1958, Ed. Ricordi Americana, ISBN 978-950-22-0270-9.
- Música para niños: guía para la práctica de Orff, 1983, Ed. Ricordi Americana, ISBN 978-950-22-0264-8.
Composiciones musicales
- 1940 Siete princesas muy desdichadas, Ballet, Libreto de Tulio Carella.
- 1940 Danzas antiguas de la corte española, Suite orquestal.
- 1942 Jerusalem eterna, Cantata para solistas, coro mixto, coro de niños y guitarra.
- 1952 Concierto para fagot y orquesta.
- 1989 La creación según el Pop wuj maya, Oratorio-Ballet.
- 1987 Música para la juventud, 17 estudios orquestales de expresión, estilo y técnica para orquestas juveniles.
- 1992 ... Y el avión de la Panamerican vuela sobre la pirámide, Recitante y Orquesta de Cámara.Poemas de Ernesto Cardenal. wikipedia
academias de musica
Guillermo Graetzer
Guillermo Graetzer (nacido Wilhelm Grätzer en Viena, 5 de septiembre de 1914 - Buenos Aires, 22 de enero de 1993 ) fue un compositor y pedagogo argentino.
Realizó sus estudios musicales en Berlín con Ernst Lothar Von Knorr y Paul Hindemith, y en Viena, con P.A. Pisk (alumno de Arnold Schönberg), hasta que en 1939 huyendo del nazismo emigra a la Argentina.
Ya en Buenos Aires escribió una versión para Sudamérica del Método Orff,dirigió el coro Asociación Amigos de la Música de Buenos Aires, y en 1946 fundó el Collegium Musicum de Buenos Aires.
Fue maestro de composición, orquestación y dirección de coro en la Universidad Nacional de La Plata, que le otorgó el título de profesor emérito.
Como reconocimiento póstumo, la Sociedad Argentina de Autores y Compositores creó el concurso de composición Guillermo Graetzer y la Fundación Konex le asignó el Premio Konex de honor en música clásica. wikipedia
Berthold Goldschmidt y sus obras
- Ópera
- Der gewaltige Hahnrei, op. 14 (1929-30). Una tragicomedia musical comedia en tres actos.
- Beatrice Cenci (1949-50). Ópera en tres actos.
- Obras orquestales
- Passacaglia op. 4 (1925)
- Obertura: La comedia de errores (1925/28)
- Suite op. 5 (1927)
- Partita op. 9 (1927)
- Der gewaltige Hahnrei: Suite op. 14 bis (1933)
- Marche Militaire op. 20 (1932) para orquesta o banda de viento.
- Ciaccona Sinfónica (1936)
- Crónica (1938/58/86)
- Danza Suite polaco (1939-40)
- Suite griego (1940-41)
- Concierto para violín (1952/55)
- Concierto para violonchelo (1953)
- Concierto para clarinete (1953-54)
- Intrada (1985) para orquesta o banda de viento
- Rondeau "Rue du Rocher" para violín y orquesta (1994-95)
- Obras de cámara
- Cuarteto de Cuerdas N º 1 op. 8 (1925-26)
- Cuarteto de Cuerdas N º 2 (1936)
- Villancicos para trío de cuerdas (1948)
- Cuarteto para clarinete (1982-83)
- Piano Trío (1985)
- Cuarteto de Cuerdas N º 3 (1988-89)
- Berceuse para violín y viola (1990)
- Retrospectrum para trío de cuerdas (1991)
- Fantasía para oboe, arpa y violonchelo (1991)
- Capriccio para violín solo (1991-92)
- Cuarteto de Cuerdas N º 4 (1992)
- Diálogo con Cordelia para clarinete y violonchelo (1993)
- Encore, una meditación agitada para violín y piano (1993)
- Rondeau "Rue du Rocher" para violín y piano (1994-95)
- Obras vocales
- Dos canciones Morgenstern op. 27 para voz y piano o cadena trío (1933 arr.1992)
- Tres Canciones op. 24 para soprano y piano (1933-34)
- Dos Salmos op. 34 para alto y orquesta de cuerdas (1935)
- Der Verflossene. Cabaret Canción para voz y piano (1942)
- La canción de Beatrice para soprano y piano (1949)
- Tiempo para voz y piano (1943)
- Nicodemo (1948)
- Nubes para voz y piano u orquesta (1950)
- Canciones del Mediterráneo para tenor y orquesta (1957-58)
- Les petits adieux para barítono y orquesta (1994)
- Deux nocturnos para soprano y orquesta (1995-96)
- Coral
- Letzte kapitel op. 15 (1930-31) para el orador, coro, percusión y piano
- Belsatzar (1985) para coro no acompañados
- Obras para piano
- Sonata para piano op. 10 (1926)
- Capriccio op. 11 (1927)
- Marche Militaire op. 20 (1932)
- Variaciones sobre una canción del Pastor Palestina op. 32 (1934)
- Desde el Ballet (1938/57)
- Scherzo (1922/58)
academias de musica
Berthold Goldschmidt
Berthold Goldschmidt fue un compositor alemán (aunque vivió gran parte de su vida en Gran Bretaña) nacido en Hamburgo el 18 de enero de 1903 y fallecido en Londres el 17 de octubre de 1996.
Perseguido por el régimen nazi[1] e incomprendido por muchos modernistas que criticaban su “anacrónico” lirismo, su obra pasó desapercibida hasta su renacimiento en la última década de su vida.
La carrera musical de Goldschmidt comenzó durante los años 20 del siglo pasado, en tiempos de la República de Weimar en Alemania junto a maestros como Ernst Krenek, Paul Hindemith y Erich Wolfgang Korngold. En sus tiempos de estudiante de filosofía en la Universidad de Hamburgo, el compositor italiano Ferruccio Busoni le alentó a escribir música.
Su primer gran éxito es una obra de 1925, su Passacaglia opus nº 4, que le significó el prestigioso Premio Mendelssohn. Con un futuro prometedor, Goldschmidt alcanzaba un inicial climax en su carrera musical en 1932, con el estreno de su ópera Der gewaltige Hahnrei en Mannheim. Pero el inmediato ascenso de los nazis al poder (en 1933) cortó su trayectoria, condenando su obra como “música degenerada” y siendo incluido en la nómina de compositores judíos (además de otros no judíos) que alteraban la pureza musical de Alemania. Esto significó la cancelación de sus actuaciones, la prohibición de su obra en el país y la imposibilidad de realizar conciertos, lo que le abocó a subsistir dando clases de piano, hasta que emigró a Inglaterra en 1935.[2]
Durante la Segunda Guerra Mundial trabaja para la BBC, mientras compone obras como su Concierto para violín, violonchelo y clarinete, La Chacona Sinfónica o la ópera Beatrice Cenci. En 1947 obtiene la nacionalidad británica.
En los años 50 y 60 ganó varios premios de composición y realizó una edición de la Décima Sinfonía de Gustav Mahler.
Durante sus últimos años de vida experimento el auge de los compositores de la llamada “música degenerada”, reactivándose su labor en países como los Estados Unidos o su patria inicial, Alemania, con nuevas grabaciones de sus trabajos. Poco antes de morir escribió su trabajo final, el Deux Nocturnes, a la edad de 93 años. wikipedia
Hanns Eisler - Deportación y regreso a Alemania
La prometedora carrera de Eisler en los Estados Unidos fue interrumpida por la Guerra Fría. Él fue uno de los primeros artistas colocados en la Lista Negra de Hollywood por los jefes de estudios cinematográficos. En dos interrogatorios del Comité de la Casa Blanca para Actividades Antiamericanas, el compositor fue acusado de ser "el Karl Marx de la música" y el agente jefe soviétivo en Hollywood. Los defensores de Eisler - entre los que estaban su amigo Charlie Chaplin y los compositores Ígor Stravinski, Aaron Copland y Leonard Bernstein — organizaron conciertos de beneficio para juntar fondos para su defensa, pero fue deportado pronto en 1948. La canción de Woodie Guthrie Eisler on the Go - que no pudo ser grabada y fue posteriormente adaptada por Billy Bragg & Wilco en el álbum Mermaid Avenue - es una protesta contra este hecho.
Eisler regresó a Alemania y se estableció en Berlín Este. Ahí compuso el himno nacional de la República Democrática Alemana (Auferstanden aus Ruinen), un ciclo de canciones al estilo del cabaret con poemas satíricos de Kurt Tucholsky y música incidental para teatro, cine y televisión. Su proyecto más ambicioso de este período, una ópera moderna sobre el tema de Fausto, fue atacado por los censores comunistas y no fue terminada. Irónicamente, menos de cinco años después de que fuera deportado de los Estados Unidos por su abierto apoyo al comunismo, Eisler fue forzado nuevamente a testificar en audiencias donde su lealtad política fue cuestionada. Si bien continuó componiendo y enseñando en el conservatorio de Berlín Este, la distancia entre Eisler y los funcionarios culturales de la Alemania del Este se fue agrandando en la última década de su vida. Eisler nunca se recuperó completamente de la muerte de Brecht en 1956 y en los años restantes cayó en una profunda depresión, que deterioró progresivamente su salud.
Murió en Berlín Este, está enterrado cerca de Brecht (y su mujer, la actriz Helene Weigel) en el cementerio de Dorotheenstadt (Berlín). wikipedia
Hanns Eisler el exilio
Después de 1933, la música de Eisler y la poesía de Brecht fueron censuradas por el Partido Nazi. Ambos artistas pasaron a la generación de exiliados anti-nazis que buscaron refugio en Estados Unidos. En Nueva York, Eisler enseñó composición en la New School y escribió música experimental de cámara y para documentales. Al trasladarse poco después a Los Ángeles, compuso música cinematográfica para Hollywood, dos de las cuales —Hangmen Also Die y None but the Lonely Heart — fueron candidatas al Oscar. En 1947 escribió el libro Composing for the Films (Componer para el cine) con Theodor Adorno. Pero en varias composiciones de música de cámara y corales de este período, Eisler regresó al dodecafonismo que había abandonado en Berlín. Sus Fourteen Ways of Describing the Rain (14 maneras de describir la lluvia) — compuesta para el 70º cumpleaños de Arnold Schönberg -es considerada una obra maestra del género.
Las dos obras más notables de Eisler en los años 30 y 40 fueron la monumental Deutsche Sinfonie (Sinfonía Alemana de 1935-1957) — una sinfonía coral en once movimientos basados en poemas de Brecht e Ignazio Silone — y un ciclo de canciones artísticas (lieder) publicado como el Hollywooder Liederbuch (1938-1943). Con poemas de Brecht, Eduard Mörike, Hölderlin y Goethe, se consolidó la reputación de Eisler como uno de los compositores más importantes de lieder alemanes. wikipedia
[editar] Encuentro con Brecht
En 1925 Eisler se mudó a Berlín, entonces un lugar de intensa experimentación en la música, teatro, cine, arte y política. Ahí se identificó con el Partido Comunista Alemán, si bien nunca se inscribió en él. Su música se volvió intensamente orientada a temas políticos y, pese a la desaprobación de Schönberg, más "popular" en estilo con influencias del jazz y el cabaret. Se sumó al realismo socialista que se predicaba en la Unión Soviética pero muy libremente, sin el dogmatismo de aquella. Esta huida del expresionismo se inscribe en el movimiento de la Nueva Objetividad. Al mismo tiempo, trabajó estrechamente con Bertolt Brecht, cuya conversión al marxismo sucedió casi en la misma época. La colaboración entre los dos artistas duró el resto de la vida de Brecht. Eisler escribió la música para varias de las producciones teatrales de Brecht, incluyendo Las medidas (1930), La Madre (1931) y Schweik en la Segunda Guerra Mundial (1944). Ambos colaboraron también en las canciones de protesta que jugaron un rol en la agitación política de la República de Weimar a inicios de los años 1930. Su Canción de la Solidaridad se convirtió en un popular himno militante cantado en las protestas en las calles y reuniones públicas en toda Europa, y su Balada del Parágrafo 218 fue la primera canción que protestaba contra las leyes en contra del aborto. Las canciones de Brecht-Eisler de este período tendían a mirar la vida desde "abajo" - desde las perspectivas de las prostitutas, estafadores, desempleados y el proletariado pobre. wikipedia
Hanns Eisler biografia
Eisler nació en Leipzig en 1898; su padre era un filósofo y su madre la hija de un carnicero. En 1901 la familia se trasladó a Viena. Durante la Primera Guerra Mundial sirvió como soldado en la armada del Imperio austrohúngaro y fue herido varias veces en combate. Regresando a Viena después de la derrota de Austria, estudió desde 1919 hasta 1923 con Arnold Schönberg, con lo que pasó a formar parte de la Segunda Escuela de Viena. Eisler fue el primero de los discípulos en componer con el dodecafonismo. wikipedia
Hanns Eisler
Hanns Eisler (6 de julio de 1898 - 6 de septiembre de 1962) fue un compositor alemán y luego austríaco de música clásica europea. Perteneció en un inicio a la Segunda Escuela de Viena, aunque después se sumó (muy libremente) a los postulados del realismo socialista, vinculado a la Nueva objetividad. wikipedia
Adolf Busch
Estudió violín con su padre y más tarde con Willy Hess y Bram Eldering. También estudió composición con Fritz Steinbach y Hugo Grüters. En 1913 fundó el Wiener Konzertvereins-Quartet y a finales de la década de 1930 fundó el Busch Chamber Players en Inglaterra, grupo de cámara que perduró hasta su muerte y cuya interpretación de los Conciertos de Brandenburgo de Johann Sebastian Bach fue muy admirada. También trabajó asiduamente con el pianista Rudolf Serkin, tanto a dúo como en trío y en grupos de cámara. Abandonó Alemania ante el auge del nazismo. En 1950 fundó el Marlboro School of Music en Vermont, Estados Unidos. Fue, entre otros, maestro de Yehudi Menuhin. wikipedia
Paul Abraham
Paul Abraham (Apatin, 2 de noviembre de 1892 - Hamburgo, 6 de mayo de 1960) fue un compositor de operetas que emigró a los Estados Unidos en 1933.
Desde 1928 y en el trascurso de los años 1930 sus composiciones y música incidental para películas y obras teatrales, tuvieron bastante éxito. Trabajó con Franz Lehár en las piezas Friederike y Das Land des Lächelns, además de converger con libretistas como Fritz Löhner-Beda y Alfred Grünwald. wikipedia
Ilse Weber y sus obras
Obra
- Ilse Weber: In deinen Mauern wohnt das Leid. Gedichte aus dem KZ Theresienstadt. Gerlingen: Bleicher, 1991. ISBN 978-3-88350-718-7
Algunas de sus canciones figuran en el disco, entre ellas la tristemente celebre "Wiegalah"
- Anne Sofie von Otter, Daniel Hope, Bengt Forsberg y otros: Terezin/Theresienstadt. Deutsche Grammophon Gesellschaft 2007 wikipedia
academias de musica
Ilse Weber
Ilse Weber (Witkowitz junto a Ostrava,[1] 11 de enero de 1903 - Auschwitz, 6 de octubre de 1944) fue una escritora y compositora judía.
Biografía
Su apellido natal era Herlinger. Creció en un ambiente multicultural. Asistió a clase en un colegio alemán, pero tuvo también contacto con checos y polacos, pues su madre regentaba un café, en que, más adelante, Ilse ayudó a su madre. Empezó a escribir a la edad de 14 años, por ejemplo cuentos infantiles judíos o pequeñas obras de teatro para niños. Se publicaron en diferentes periódicos y revistas alemanas, checas, austríacas y suizas. En 1930 se casó con Willi Weber.
Con la llegada de los nazis al poder, muchos de sus amigos emigraron. Ella y su marido no quisieron hacerlo. Consiguió que su hijo mayor, Hanus, saliera hacia Suecia, a casa de unos amigos. Pero ella, su marido y su hijo pequeño fueron llevados a Praga. De allí, el 6 de febrero de 1942 fue deportada a Theresienstadt. Allí, separada de su marido y su hijo, trabajó como enfermera en la enfermería pediátrica durante dos años. Compuso numerosos poemas que cantaba a los niños y a los ancianos como nanas.
En 1944 fue llevada con su hijo y los niños del asilo a Auschwitz. El 6 de octubre de 1944 fue asesinada en el campo de concentración de Auschwitz, junto con su hijo Tommy. Se dice que camino de la cámara de gas iba cantando a los niños una nana que ella misma había compuesto (Wiegala).
En Theresienstadt escribió el libro de poemas In deinen Mauern wohnt das Leid (En tus muros habita el dolor), que no se publicó hasta 1991.
Su marido sobrevivió a los campos de concentración, aunque gravemente enfermo. Fue él quien reunió las obras de Ilse y las publicó. wikipedia
Viktor Ullmann y sus obras
A mediados de 1942, poco antes de su ingreso en el campo de concentración de Theresienstadt, Ullmann preparó una lista exhaustiva de sus composiciones hasta aquel momento. Esta lista se conserva en una biblioteca de Londres como parte de una carta a un corresponsal del que se desconoce su identidad. Se trata de un catálogo completo, desde el opus 1 al 41. Esta lista tiene un valor incalculable al dar noticia de todas las obras perdidas o desconocidas y da idea de la terrible pérdida que para el arte supuso la persecución nazi y la guerra.
En la siguiente relación se respeta el número de catalogación utilizado por Ullmann y se ha proseguido con sus obras creadas en el campo de concentración de Theresienstadt. El orden es cronológico y se incluyen sus primeras obras y las conocidas por referencias documentales, aunque no se conserven las partituras. Cuando no se tiene certeza de una fecha se señala con un signo interrogativo (?). Los datos de las primeras obras se han obtenido de una lista que elaboró Ullmann (Riemann Musiklexikon, octubre de 1929), en la que algunas obras tienen una numeración de opus diferente (ese primer número de catálogo se señala en tales casos junto al título de la obra). wikipedia
Viktor Ullmann regreso a Praga
Regreso a Praga. Campos de concentración y muerte
Regresó a Praga en 1933, donde estudió composición con Alois Hába entre 1935 y 1937. En 1936 ganó el Premio Hertzka por su ópera Der Sturz des Antichrist (op. 9). El libreto de esta ópera es de Albert Steffen.
Hasta el momento de su deportación, su obra constaba de 41 opus e incluía tres sonatas para piano, dos ciclos de lieder (con textos de varios poetas), una ópera y el concierto para piano op. 25, que terminó en diciembre de 1939, nueve meses antes de que entraran las tropas nazis en Praga. La mayor parte de estas obras ha desaparecido: los manuscritos se perdieron durante la ocupación alemana.
El 8 de septiembre de 1942 es encerrado en el campo de concentración de Theresienstadt. Allí llevará una labor importante como animador cultural, director de orquesta, pedagogo, pianista, crítico y compositor. Su obra más conocida es la ópera Der Kaiser von Atlantis, compuesta y estrenada en 1944 en el campo de concentración de Theresienstadt. Esta obra se ha convertido en un símbolo del holocausto.
El 16 de octubre de 1944 fue trasladado a Auschwitz, donde murió en la cámara de gas el 18 de octubre. wikipedia
Viktor Ullmann en Praga
Traslado a Praga
En mayo de 1919 interrumpió todos sus estudios y abandonó Viena para trasladarse a Praga, donde se consagró por entero a la música. Su nuevo maestro fue Alexander von Zemlinsky. En Praga, Ullmann fue director de la orquesta del Nuevo Teatro Alemán de Praga entre 1922 y 1927. Allí estrenó en 1923 7 Lieder mit Klavier («Siete canciones con piano»), la primera de una serie de obras con las que obtuvo un gran éxito. En 1925 compuso las Schönberg-Variationen («Variaciones Schönberg») para piano (estrenadas en Praga en 1926).
Europa: 1929-1931
Entre 1929 y 1931 abandonó Praga y trabajó como compositor y director de orquesta en la Schauspielhaus de Zúrich y de 1931 a 1933 fue librero en Stuttgart (donde se convirtió en propietario de la Biblioteca Novalis de antroposofía) wikipedia
Viktor Ullmann
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Hans Krása
Hans Krása (* 30 de noviembre de 1899 en Praga; † 17 de octubre de 1944 en el campo de concentración de Auschwitz-Birkenau), compositor checo-alemán.
Su padre, abogado, procedía de una familia checa; su madre era de origen alemán. Hans Krása estudió violín y piano y también Composición en Praga, esto último con Alexander von Zemlinsky. Al terminar sus estudios siguió a su maestro a Berlín, donde trabajó un breve tiempo en la Kroll Oper. Tras estudiar también en Francia, a finales de los años 20, con Albert Roussel, trabajó en el "Neues Deutsches Theater" de Praga.
En 1921 celebró su primer éxito como compositor con sus cuatro lieds para orquesta con textos de Christian Morgenstern. Su sinfonía, se estrenó en 1923 en Boston bajo la dirección de Serge Koussevitzky. Con la ópera Verlobung im Traum, basada en una historia de Dostoyevski, ganó un premio; fue estrenada en Praga bajo la dirección de George Szell. Compuso numerosas obras de cámara y vocales, así como música incidental.
En 1938 escribió la ópera infantil "Brundibár" para un concurso del Ministerio de Educación, ópera que no llegó a representarse por el ataque alemán a Polonia. Se estrenó clandestinamente en 1941 en el asilo judío.
El 10 de agosto de 1942, Hans Krása fue deportado al campo de concentración de Theresienstadt. Allí, "Brundibár" se representó más de 55 veces; también en la película "Theresienstadt" se muestra una representación de esta ópera. En el campo de concentración, estuvo casado durante algunos meses con Eliška Kleinová, para evitar su deportación como mujer soltera.
En la noche del 16 de octubre de 1944, Hans Krása fue introducido en un vagón de tren con destino Auschwitz-Birkenau. Allí, fue considerado "persona mayor" y, como tal, asesinado de inmediato en la cámara de gas. wikipedia
Sim Gokkes
Sim Gokkes (* 5 de febrero de 1897; † (asesinado) en 1943 en el campo de concentración de Auschwitz fue un compositor judío neerlandés.
Ya como recibió clases de canto y estudió también con Victor Schlesinger, cantor en una de las sinagogas de Ámsterdam. Estudió composición y también piano y flauta en el Conservatorio de esa ciudad.
A lo largo de su vida dirigió varios coros. Durante años fue director del Santo Serviçio, el coro de la sinagoga portuguesa en Ámsterdam. Gokkes es conocido como una renovador de la música para la sinagoga. Sus composiciones se refieren fundamentalmente a temas religiosos.
Junto con su mujer, la pianista Rebecca Winnik, y sus dos hijos David y Rachel fue asesinado en Auschwitz en 1943.
Sólo se conservan algunas de sus obras en la colección del Instituto de Música de los Países Bajos. wikipedia}
Mordechaj Gebirtig
Mordechaj Gebirtig (su verdadero nombre era: Mordche Bertig) (Cracovia, entonces Imperio Austro-Húngaro, 4 de abril de 1877 — gueto de Cracovia, 4 de junio de 1942), fue un poeta y compositor polaco que escribió en jiddisch.
De profesión era carpintero: arreglaba muebles viejos; vivía con su mujer Blumke y sus tres hijas en el barrio de Kazimierz en Cracovia, y por la noche componía canciones en jiddisch.
Fue autodidacta en cuanto a su formación literaria. Componía sus canciones con una pequeña flauta. Se le ha llamado «el último bardo en jiddisch». Presenta la vida de la gente corriente en el barrio judío de Cracovia.
El 4 de junio de 1942 fue asesinado a tiros en plena calle, en el gueto, por un soldado de las tropas de ocupación wikipediaescuelas de musica
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Robert Dauber
Robert Dauber (* 1922; † marzo de 1945 en Dachau) fue un violonchelista y compositor alemán.
Su padre fue el compositor, arreglista y director de orquesta Adolf „Dol“ Dauber (1894-1950), conocido en los años 20 como director del Dol Dauber Salonorchester in den zwanziger Jahren bekannt war. Robert Dauber tocaba el piano y el chelo. En el campo de concentración de Theresienstadt participó en las representaciones de la ópera Brundibár. Falleció de tifus en marzo de 1945 en el campo de concentración de Dachau. Su única obra conocida se encuentra en la Biblioteca Nacional de Austria, en el legado de su padre (Signatura: MUS: F79 Dauber). wikipdia
lunes, 19 de julio de 2010
Daniël Belinfante
Daniël Belinfante (* 6 de marzo de 1893 en Ámsterdam; † 1945), compositor de los Países Bajos.
Estudió violín y piano. Desde 1915 fue director de la Escuela de Música de Watergraafsmeer. En 1942 pasó a la resistencia contra los nazis, fue detenido en 1943 y asesinado en 1945 en Auschwitz.
Sus composiciones fueron entregadas en 1955 por su viuda Martha Belinfante-Dekker (1900-1989) al Nederlands Muziek Instituut en La Haya y permanecieron allí hasta 2004 sin que se les dedicara ninguna atención. Sus aproximadamente 90 composiciones muestran la influencia de Ravel, Debussy, Milhaud y Poulenc.
Falta todavía una elaboración musicológica de sus composiciones; el pianista Marcel Worms ha asumido en su repertorio algunas de las obras para piano. wikipedia
Elkan Bauer
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Heinz Alt
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Historia de la música occidental
La música —al igual que otras artes y ciencias— ha dependido de las costumbres de cada época y cada pueblo. Haciendo un resumen conciso podemos destacar varias etapas:
Prehistoria
No se disponen de testimonios escritos, si bien hay varias disciplinas musicales dentro de la musicología sistemática y otras ajenas (como la etnología, la antropología, la etnomusicología, la arqueología, la organología [estudio de los instrumentos musicales], la iconografía, la sociología, la psicología y la parahistoria) que se encargan de investigar instrumentos y costumbres, muchas veces analizando en las tribus indígenas actuales. También entran dentro de este estudio la música de la prehistoria y la música de las antiguas civilizaciones de medio oriente.
Antigüedad
Mesopotamia, Egipto, Grecia y Roma son los principales exponentes, si bien Grecia es el mayor, sobre todo porque influyó directamente en la música docta europea posterior. Se conservan escasísimos documentos escritos de ella, como el Epitafio de Seikilos. Es el comienzo de las teorías de la música. En esta época la música se consideraba una ciencia, estrechamente relacionada con las matemáticas.
En esta época y hasta el Barroco (1600-1750) se utilizará la armonía modal, donde no hay tendencias claras hacia una nota en particular ni se trata de crear a lo largo de la obra un juego de tensión-reposo. Hasta el S. XII más o menos sólo habrá música monofónica (es decir que a lo largo de la obra sólo se escucha una melodía sin acompañamiento). wikipedia
Notación musical de la música docta
El comienzo de la notación musical fue un acontecimiento por el cual podemos escuchar interpretaciones de las músicas de tiempos lejanos y cercanos, lo que asegura una permanencia de estas. Son numerosas las obras que se perdieron antes de la aparición e instauración definitiva de la notación musical (por perderse las músicas de la prehistoria, salvo unas pocas excepciones las de las civilizaciones antiguas occidentales sin contar las otras civilizaciones) y también mucha en el medioevo.
Sea como fuera no se anotaron los matices de las obras y las indicaciones precisas hasta después del medioevo y no lo fueron hasta unos niveles más o menos altos de precisión hasta el romanticismo, por lo cual las interpretaciones que se hacen de muchas obras se sacan de textos que hablan de ellas (de filósofos, escritores, historiadores), de los pensamientos de la épocas, por lo cual son sólo suposiciones de como sonaba esa música, así que nunca sabremos si la interpretación dada es la correcta, pues podría ser totalmente distinta. (Esto es aplicable sólo en la música anterior al Renacimiento).
En el siglo XX existió una corriente, el serialismo integral, que aplicaba de manera obsesiva diferentes matices a cada una de las notas de una obra. En contraposición se encontraba la música aleatoria, que daba libertad absoluta al intérprete, pudiendo parecer una misma obra escuchada por dos intérpretes distintos, otra totalmente distinta. wikipedia
Música docta
La música docta surge en Europa como expresión artística y cultural. Sus inicios escritos se remontan a la época medieval, pero toma reminiscencias de la música de otras culturas como Egipto, Mesopotamia, y sobre todo la antigua Grecia -ya que los romanos dieron poca importancia a la música- desde la que fue evolucionando a través de numerosas y heterogéneas épocas, hasta la época contemporánea. wikipedia
Música tradicional
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Música popular
La música popular se opone a la música académica y es un conjunto de estilos musicales que, a diferencia de la música tradicional o folclórica, no se identifican con naciones o etnias específicas. Por su sencillez y corta duración, no suelen requerir de conocimientos musicales elevados para ser interpretados y se comercializan y difunden gracias a los medios de comunicación de masas.[11] [12]
Dicho brevemente, puede afirmarse que la música popular surge en Europa con la llegada de la Revolución industrial en el siglo XVIII, cuando la mejora tecnológica hace posible que los fabricantes puedan comenzar a producir instrumentos musicales en serie y a venderlos a un precio razonable, llegando así a la clase media.
Otro avance importante en el desarrollo de este tipo de música se produce en el siglo XIX gracias al fonógrafo de Edison y al gramófono de Berliner, que permiten al público en general grabar su propia música o escuchar la música compuesta por los demás sin necesidad de asistir a un concierto en directo. De hecho, a finales de los años veinte del siglo siguiente, muchos compositores prestigiosos e intérpretes populares ya habían efectuado múltiples grabaciones que pudieron difundir a través de otros inventos modernos de la época como la radio y, posteriormente, la televisión.
Pero no será hasta la década de los cincuenta cuando la música popular alcance realmente la divulgación que tiene hoy en día gracias al desarrollo del rock and roll y a la popularidad que alcanzaron las gramolas en los bares, pubs, cafeterías y restaurantes. Además, no tuvo que pasar mucho tiempo antes de que apareciesen en el sector nuevos géneros y subgéneros como la música pop, el heavy metal o el punk, hasta tal punto que actualmente los estilos musicales son tantos y tan variados, y las fronteras tan difusas, que es difícil saber cuando se está hablando de uno y cuando de otro. wikipedia
Música clásica
La música clásica, docta, académica, culta o selecta es uno de los tres grandes géneros en los que se puede dividir la música en general, junto con la música popular y la música tradicional o folclórica,[7] [8] que veremos a continuación. Se trata de un término muchas veces impreciso pero profundamente arraigado e institucionalizado en la sociedad, además del modo habitual de referirse a otros vocablos similares,[9] que aparece por primera vez en el Oxford English Dictionary de 1836.[10] Implica todo tipo de consideraciones teóricas, estéticas y estructurales, y habitualmente conlleva una larga tradición escrita, por lo que sus intérpretes suelen tener años de formación en un conservatorio.
En Europa, la música docta tiene un importante desarrollo entre los años 1450 y 1950 aproximadamente. Tradicionalmente, y por razones pedagógicas y formales (ante el cáracter extraordinariamente variable de la música clásica a lo largo de su historia), este período se ha dividido en cuatro etapas principales que permiten conocer mejor el contexto donde está inmersa cada obra: el Renacimiento, el Barroco, el Clasicismo y el Romanticismo musical. A continuación, se presenta una pequeña selección de algunos de los compositores más importantes: wikipedia