Los tocaores usan la técnica del alzapúa, el picado,[17] el rasgueo y el trémolo,[18] entre otras. El rasgueo puede ser realizado con 5, 4 o 3 dedos, este último inventado por Sabicas. El empleo del pulgar es también característico en el toque flamenco. Los guitarristas apoyan el pulgar en la tapa armónica de la guitarra y el dedo índice y medio sobre la cuerda superior a la que están tocando, logrando así una mayor potencia y sonoridad que el guitarrista clásico. También se apoya el dedo medio en el golpeador de la guitarra para conseguir más precisión y fuerza a la hora de púlsar la cuerda. Asimismo el uso del golpeador como elemento de percusión dota de gran fuerza a la interpretación guitarrística flamenca. Se denomina "falseta" a la frase melódica o floreo que se intercala entre las sucesiones de acordes destinadas a acompañar la copla.[19] Asimismo se habla de tocar o acompañar por arriba (usando la digitación del acorde mi mayor) y por medio (la mayor), con independencia de que se haya trasportado o no con la cejilla.
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sábado, 18 de septiembre de 2010
principales musicos de flamenco
Los principales guitarreros fueron Manuel Ramírez de Galarreta, el Gran Ramírez, (Madrid, 1864-1920) y sus discípulos Santos Hernández (Madrid, 1873-1943), que construyó varias guitarras para el maestro Sabicas, Domingo Esteso y Modesto Borreguero. Asimismo destacan los Hermanos Conde, Faustino (1913-1988), Mariano (1916-1989) y Julio (1918-1996), sobrinos de Domingo Esteso, cuyos hijos y herederos continúan la saga.
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Toque
La postura y la técnica de los guitarristas flamencos, llamados tocaores, difiere de usada por los intérpretes de guitarra clásica. Mientras el guitarrista clásico apoya la guitarra sobre su pierna izquierda de forma inclinada, el guitarrista flamenco suele cruzar las piernas y apoyarla sobre la que se encuentra más elevada, colocando el mástil una posición casi horizontal con respecto al suelo. Los tocaores modernos suelen utilizar guitarras clásicas, aunque existe un instrumento específico para este género llamado guitarra flamenca. Ésta es menos pesada y su caja es más estrecha que la guitarra clásica, por lo que su sonoridad es menor y no eclipsa al cantaor. Por lo general suele hacerse de madera de ciprés, con el mango de cedro y la tapa de abeto. El ciprés le da una sonoridad brillante muy adecuada para las características del flamenco. Antiguamente también se usaba el palo santo de Río o de la India, siendo el primero de más calidad, pero actualmente está en desuso debido a su escasez. El palo santo otorgaba a las guitarras una amplitud de sonido especialmente adecuada para el toque solista. En la actualidad, el clavijero más utilizado es el de metal, ya que el de madera plantea problemas de afinación.
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Cante
Según la Real Academia Española, se denomina "cante" a la "acción o efecto de cantar cualquier canto andaluz", definiendo "cante flamenco" como "el canto andaluz agitanado" y el cante jondo como "el canto más genuino andaluz, de profundo sentimiento".[16] Al intérprete de cante flamenco se le llama cantaor en vez de cantante, con la pérdida de la d intervocálica característica del dialecto andaluz.
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jueves, 9 de septiembre de 2010
caracteristicas del cuando
La danza se caracteriza por alternar una etapa lenta y formal en ritmo de minué, seguido de una etapa ligera y desenfadada, en ritmo de allegro, con la forma estilística de un gato.
Es esta segunda parte la que otorga a la danza sus elementos característicos, y sobre todo picarescos, y donde el hombre pregunta a la mujer "ay, ¿cuándo mi vida cuándo?", con evidente doble sentido y significación sexual. De este modo, la lentitud y formalidad del minué, funcionan como un preludio exasperante para el hombre, que explota humorísticamente en el gato, donde realiza la irrespetuosa pregunta.
Una copla tipo del cuando es la siguiente:
Ay cuándo será ese día,de aquella feliz mañana,
que nos lleven a los dos
el matecito a la cama.
Cuándo, cuándo
Ay cuándo mi vida cuándo.
Cuándo, cuándo.
Ay, cuándo mi vida cuándo
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martes, 7 de septiembre de 2010
Cuarteto Vocal Zupay
En 1983 el Cuarteto Vocal Zupay y el actor Pepe Soriano lanzan el álbum El inglés, composición musical de Oscar Cardozo Ocampo y Rubén Verna, correspondiente a la obra teatral de Juan Carlos Gené repuesta al regresar del exilio, ambientada en la Primera Invasión Inglesa.
La recuperación de la democracia en 1983 permitió la difusión de una nueva generación de folcloristas, como Peteco Carabajal (Cómo pájaros en el aire), Teresa Parodi (Pedro canoero), Antonio Tarragó Ros (María va, Cachito campeón de Corrientes), Suna Rocha (Grito santiagueño), Raúl Carnota (Grito santiagueño), el Chango Spasiuk, el Grupo Huancara, la Chacarerata Santiagueña (fundada por Juan Carlos Gramajo), Rubén Patagonia, Los Santiagueños (Peteco Carabajal, Jacinto Piedra y Juan Saavedra), Jorge Marziali (Los obreros de Morón).
En el verano de 1984, en una de las primeras medidas adoptadas por el gobierno democrático asumido pocas semanas antes, el canal estatal de televisión decidió transmitir en directo para todo el país, las dos primeras horas de cada una de las «nueve lunas» del Festival de Cosquín. La importancia de esta medida para la difusión de la música folclórica ha sido resumida por los organizadores del evento del siguiente modo:
Este hecho que es consecuencia directa del pensamiento cultural que deriva del retorno de la democracia de nuestra nación, se ha repetido a partir de ese año en forma consecutiva, logrando en casi todas las oportunidades el rating más alto correspondiente en la programación de los cuatro canales televisivos de la Capital Federal. wikipediaacademias de musica
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Luego de la Guerra de las Malvinas y la recuperación de la democracia
La Guerra de las Malvinas, iniciada el 2 de abril de 1982 tuvo un impacto notable y paradójico, sobre la música argentina, debido a que los medios de comunicación, autorizados por el régimen militar gobernante, comenzaron a difundir música popular argentina en grandes cantidades, con el fin de promover el nacionalismo en la población. Este fenómeno, que también influyó sobre el rock nacional y el tango, permitió que volvieran a difundirse muchos de los artistas prohibidos, algunos de ellos desconocidos por las generaciones más jóvenes, y que resurgiera el interés por el folclore.
La cantante Suma Paz, una de las principales intérpretes de Atahualpa Yupanqui, ejemplifica la situación contradictoria generada por la guerra en el siguiente conflicto que mantuvo con una empresa discográfica:
Hacia fines de los años setenta me ofrecieron grabar una versión de La hermanita perdida (canción de A. Yupanqui sobre las Malvinas), que al final terminé grabando en 1981. Pero pasó todo el año y, como no salía, me la pasé llamando al sello. No me daban bolilla, hasta que en 1982, durante la guerra de Malvinas, lo primero que hicieron fue querer sacar el disco. Yo, que lo había esperado un montón de tiempo, me opuse y les dije que si lo sacaban les hacía juicio. No quería hacer el papel de cierta gente que vendía discos a rolete mientras nuestros jóvenes morían en las islas. Era inmoral. Pero negarme me costó 12 años sin poder grabar: desde el ’82 hasta el ’94. wikipediaacademias de musica
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Sanampay
También en 1978 se creó en México el grupo argentino-mexicano Sanampay, dirigido por Naldo Labrin e integrado originalmente por Eduardo Bejarano, Delfor Sombra, Caíto Díaz, Hebe Rosell y Jorge González. Entre sus obras se destaca Coral terrestre (1982), con textos de Armando Tejada Gómez y música del grupo Sanampay.[112]
En 1979 el Chango Nieto, acompañado por el bandoneonista Dino Saluzzi grabaron el álbum El Chango Nieto interpreta a Atahualpa Yupanqui y Homero Manzi, «porque quería romper esa división invisible que existía», según el mismo explicó, aludiendo al tradicional divorcio entre tango y folclore, en la música popular argentina.[113]
En 1979 Mercedes Sosa editó en Argentina el álbum Serenata para la tierra de uno, tomando como mensaje el tema del mismo título de María Elena Walsh: «Porque me duele si me quedo, pero me muero si me voy». Poco después fue detenida en la ciudad de La Plata mientras realizaba un espectáculo, junto con todos los espectadores que habían tomado la decisión de asistir. El hecho la decidió a exiliarse, primero en París y luego en Madrid.wikipediaacademias de musica
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jueves, 2 de septiembre de 2010
Festival del Porro Cantao de San Marcos
Desde 1996, por épocas de Semana Santa, tiene lugar en el municipio de San Marcos del Carate el Festival Nacional del Porro Cantao Inédito con Banda, que es heredero de los "bailes cantaos" y mantiene viva la tradición de cantar este rico ritmo colombiano. En el participan las bandas tradicionales, los cantantes y compositores más destacados de la región caribe de Colombia. wikipedia
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Identidad y riqueza del porro
Ahora bien, esas clasificaciones basadas en criterios didácticos y de tradición, no son esquemas estrictamente musicológicos, ni tampoco fijos e inamovibles. Por el contrario la riqueza musical del género ha permitido su evolución.
Musicólogos como Victoriano Valencia, han identificado con mayor propiedad otros rasgos de su personalidad enriquecida y de su amplia variedad. Entre los que resalta la improvisación, a cargo de cada instrumento o grupo de estos, que se da en las formas viejas del porro, del fandango campesino y también de la puya. Siendo por esto que algunos lo comparan con el Jazz. A este respecto no tenemos noticias de que los músicos que desarrollaron esta modalidad de porro conocieran siquiera la existencia del Jazz. Estaba allí el porro antes de que surgiera el Jazz? Se trata acaso de una comparación exagerada?.
Otros rasgos de las nuevas composiciones porristicas destacadas por el mismo Valencia son: estrechamiento de las secciones, ampliación del coro o supresión de este, y aceleración del ritmo.
Músicos franceses, en la región de la Borgoña, que han conformado desde 1997 una banda inspirada en las nuestras, (Banda Alborada), resaltan el hecho de que las bandas “porristicas” colombianas, “han desarrollado un sonido muy rico en armónicos agudos y un fraseado de picado.” Igualmente resaltan que: “La dinámica originada por las percusiones bombo, platillos y redoblante, de mucho empuje, pueden yuxtaponer binarios y ternarios sin decaer.” wikipedia
Porro “palitiao” y “tapao”
El porro tradicional o campesino se suele clasificar en dos tipos o categorías principales: “tapao” y “palitiao”.
El “palitiao”, oriundo de las tierras del Sinú, especialmente del municipio de San Pelayo y zonas circunvecinas, toma su nombre, según la versión más aceptada, por la forma como se golpea con el percutor una tablilla incorporada al aro del bombo o externa a este. Esto ocurre al momento en que el bombo queda en silencio y el clarinete (s) toman la voz cantante o mejor dicho, toma el rol protagónico.
El porro “palitiao” se encuentra estructurado por cuatro partes o secciones: danza, porro, “bozá”, danza. Las danzas, de cortos compases, dan inicio y fin a la obra como en una especie de anuncio que da entrada y salida al porro propiamente y a sus dos partes principales.
La sección porro se identifica por estar dominada por el sonido de la trompeta (s) y la “bozá” por ser el momento en que predomina el clarinete (s); y en que suele suspenderse la percusión del bombo e iniciarse el golpeteo del palo sobre la tablilla (el palitiao).
Es conveniente aclarar que estos elementos característicos del porro “palitiao” no están presentes siempre en todos lo temas. Maria Varilla, por ejemplo, que se ha llamado el himno de Córdoba, no posee las danzas de entrada y final. Igualmente El Gavilán Garrapatero, Soy Pelayero y la Mona Carolina carecen de la danza inicial, lo contrario de un Porro “tapao” como Roque Guzmán, que cuenta con las danzas a su inicio y final, sin que por ello sea uno “palitiao”.
Por su parte el porro “tapao” o sabanero por ser originario de las sabanas de los departamentos de Córdoba, Sucre Y Bolívar, se llama así por la predominante forma como el ejecutante del bombo tapa con la mano el parche opuesto al que percusiona, y carece de la sección “bozá”. Wikipedia
sábado, 28 de agosto de 2010
Merengue: Música popular de República Dominicana
El merengue es un estilo de baile y música caribeña en tiempos de 2/4. Asociados generalmente con la república Dominicana, debido a la enorme popularidad internacional del merengue dominicano como a la aumentada visibilidad de los inmigrantes dominicanos en los Estados Unidos, se desarrollaron en Haití, Colombia y Venezuela otros tipos de merengue en el siglo XIX. Hoy en día el merengue es considerado como la música nacional de la República Dominicana. wikipedia
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El merengue contemporáneo
Para los finales de los 70s el merengue empieza el período llamado la época de oro, caracterizado por la aparición de nuevas agrupaciones, sonidos y carácter que llamaron la atención gracias a sus melodiosas canciones y ritmos.
Algunos de los artistas más destacados son: Juan Luis Guerra,Tono Rosario,Fernando Villalona Wilfrido Vargas, Johnny Ventura, Sergio Vargas, Los Hermanos Rosario, Milly Quezada, Los Melódicos, Conjunto Quisqueya, Víctor Roque y La Gran Manzana, Dionis Fernández y El Equipo, El Zafiro, Bonny Cepeda, Kinito Méndez, Eddy Herrera, Héctor Acosta, Ruby Pérez, Rikarena, Jochy Hernández, Jossie Esteban y la Patrulla 15, Las Chicas del Can.
Por otra parte pero no menos importante, encontramos también el merengue hip-hop, el cual se inició en la década de los 90, este género naciente a partir del merengue, este tuvo una gran oleada de fanáticos y seguidores, la mayoría de ellos jóvenes, tomando en cuenta que los adultos también disfrutaron de este género y que aún se disfruta en la actualidad, el merengue hip-hop tuvo como principales protagonistas las agrupaciones: “Fulanito”, “Sandy y Papo”, “Proyecto Uno”, “Ilegales”, entre otras agrupaciones.
El merengue ha sido adoptado por otras culturas, que aunque gozan de otras influencias, eligieron este género musical como base de desarrollo de nuevos sonidos y fusiones. Y aunque influenciados por maestros del merengue y figuras prominentes de la época de oro del merengue en suelo dominicano, lograron darle un estilo propio y llevarlo a un nivel internacional y de respeto. Uno de estos exponentes lo es el puertorriqueño, Elvis Crespo,ex-corista del merenguero Tono Rosario quien recoge la base de este género dominicano y lo hace propio, logrando ser uno de los máximos exponentes alrededor del mundo. wikipedia
Primera Forma de Estilo Merengue
El Perico Ripiao (también es conocido como el merengue típico) fue la primera forma de merengue y su origen está en los campos del Cibao y la Línea Noroeste. El Perico Ripiao se toca con güira, tambora y acordeón. Los cantos del Perico Ripiao son diferentes al merengue de orquesta o de banda. Los cantos, versos simples con frases poéticas, toman a veces forma de décimas o de cuartetas donde los versos tercero y cuarto son repetidos pero en orden inverso (el verso tercero se convierte en sexto y el cuarto en quinto; ABCDDC). El Perico Ripiao tiene un ritmo rápido y es mucho más popular en el Cibao (en los campos cibaeños) que en la capital de la República. wikipedia
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sábado, 21 de agosto de 2010
Música andalusí
La música andalusí[1] (también llamada arábigo-andaluza,[2] [3] [4] árabo-andalusí,[5] arabo-andaluza[6] o árabo-andaluza[7] ) es un estilo de música árabe que se da en el África del Norte, aunque también se dio en al-Ándalus entre los siglos IX y XV. Se asocia con Marruecos, en donde recibe el nombre de al-Âla, aunque también se encuentra en la tradición de Argelia (en donde recibe el nombre de Gharnâtî, San'a, Ma'luf. Depende de la ciudad), en Túnez y en Libia (más conocida como Ma'luf). La música popular, como el chaabi y el Hawzi en Argelia, han contribuído al desarrollo de este estilo de música clásica en un ambiente más moderno. wikipedia
Kizomba
El Kizomba es un estilo musical originario de Angola. El ritmo es similar al del zouk antillano. Sus cantantes más conocidos son Caló Pascoal, Irmãos Verdades , Paulo Flores o Suzanna Lubrano. wikipedia
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Rammstein
Rammstein (pronunciado /'ʁamʃta͡ɪn/) es una banda alemana formada en 1994. Musicalmente incorporan elementos de numerosos estilos. Son considerados parte del movimiento Neue Deutsche Härte, junto con Oomph! y Die Krupps. En ocasiones se ha definido su estilo como Tanz-Metall ("metal de baile").Sus canciones están escritas casi exclusivamente en idioma alemán y han vendido más de 12 millones de copias en todo el mundo. Entre otros reconocimientos han sido nominados en dos ediciones de los premios Grammy en la categoría de "mejor actuación de música metal": en la de 1999 con "Du hast" y la de 2006 con el tema "Mein Teil". Todos sus álbumes están editados por la multinacional discográfica Universal Music. wikipedia
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jueves, 19 de agosto de 2010
Pasillos típicos
Por ser su origen tan remoto encontramos cultores de muchas épocas buenos ejemplos son los Ecuatorianos Carlos Brito y Rosario Sansores Prén con obras como "Sombras"[1] o de Abel Romeo Castillo y Gonzalo Vera S con "Romance de mi destino"[2] y "Guayaquil de mis Amores"[3] de Lauro Dávila y Nicasio Safadi o los Panameños de Vicente Gómez Gudiño con "El suspiro de una fea"[4] o de César Alcedo con "Brisas mesanas"[5] o "Eva" de José Luis Rodríguez Vélez y los pasillos Colombianos como "Hacia el Calvario"[6] también encontramos los del huilense Jorge Villamil como, Espumas[7] o "Patasdilo"[8] del antioqueño Carlos Vieco o de Leonardo Laverde con "Y soy Feliz"[9] o "Pueblito viejo"[10] del Maestro José Alejandro Morales o del tolimense Fulgencio García con "La Gata Golosa"[11] y otros como Luis Antonio Calvo, Emilio Murillo, Adolfo Mejía y Gérman Darío Pérez.
En la actualidad existen muchos cultores del pasillo entre ellos Julio Jaramillo con pasillos como, "Mis flores negras" (pasillo colombiano) wikipediacursos de guitarra bogota
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jueves, 12 de agosto de 2010
Expansión y significados culturales del bambuco
Este género musical se generó en Colombia, donde floreció en varias regiones como Antioquia, Boyacá, Cauca, Cundinamarca, Huila, Nariño, Los Santanderes, Risaralda y Tolima. También traspasó fronteras hasta Perú, Ecuador y México. En Colombia se ha convertido en ícono y símbolo de la música y danza nacionales en los géneros llamados en el país “música colombiana”.
La influencia del bambuco alcanzó tal preeminencia en el país, que dio origen al Festival Folclórico, Reinado Nacional del Bambuco y Muestra Internacional del Folclor, realizado en el departamento del Huila y una de las fiestas folklóricas más importantes de Colombia en la que sus participantes tienen como requisito el baile del bambuco fiestero, "El sanjuanero"[3] o el Festival Folclórico Colombiano realizado en el departamento del Tolima en el que el requisito es la danza del bambuco fiestero “El contrabandista” wikipediaacademias de musica
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Orígenes del bambuco
Existen variadas opiniones sobre los orígenes o raíces de este género. Algunos investigadores sostienen que su origen es americano y la palabra significa "Baile de indios". Pero a todas luces su verdadera génesis, desarrollo y consolidación se produjeron en el territorio andino de Colombia. El bambuco fiestero que por su ritmo invita al baile o la danza, en la región del Tolima Grande donde son celebradas las festividades de San Juan y San Pedro y donde el Bambuco también es llamado: “Sanjuanero” wikipedia
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Instrumentos del bambuco
En Colombia, el bambuco se interpreta básicamente con instrumentos de cuerda y varios de percusión . La guitarra lleva el golpe típico del género con sus bajos y contestantes, el tiple con sus cuerdas metálicas se encarga de producir el “tendido” rítmico de fondo, el cual ofrece un paisaje musical inconfundible y bellísimo. Algunas veces, el requinto se encarga de los adornos melódicos, y la lira o bandola se encarga de la melodía, la cual, cuando el bambuco es interpretado sólo por un dueto, llevaría la guitarra, acompañada de tiple. En las interpretaciones más elaboradas, por ejemplo de escenario o danzas, a veces se incluyen instrumentos de viento como la flauta. wikipedia
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lunes, 2 de agosto de 2010
La cumbia más frecuentemente escuchada
Se cree que la "cumbia chilena" es la música más bailada en Chile, ya que ha estado presente en toda fiesta o celebración, de cualquier clase social, para personas de distintos grupos de edad, incluso en las celebraciones de Fiestas Patrias, donde se escucha y baila a la par o por sobre la cueca.[4] El gusto del público chileno le sigue fiel y es una de las razones de porque otros ritmos mas tropicales nunca ha tenido tanto éxito en Chile. wikipedia
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Historia de la Cumbia Chilena
E cnonsdx.n Chile la cumbia chilena nació cuando Luisín Landáez,[2] cantante venezolano,[3] logró éxito con temas como "Macondo" o "La Piragua" y la colombiana llamada Amparito Jiménez que grabó en Chile "La pollera colorá" y otros.
Posteriormente, fue La Sonora Palacios el combo que logró que la cumbia entrara definitivamente en el gusto popular. La cumbia creada en ese momento era distinta a la cumbia original Colombiana, ya que se creo con un estilo de bronces y piano, la percusion ademas es mas rapida y la adaptacion de la gente con este ritmo fue en poco tiempo por su sencillez al bailar. Temas como: "El caminante", "Los Domingos" y "El galeón español", se hicieron muy populares. En los años 60`s, estos temas tuvieron tal aceptación que luego muchos grupos chilenos que hasta ese entonces tocaban ritmos centroamericanos en hoteles y boites derivaron a la cumbia. Desde ésa época, este estilo musical, evolucionó de manera bastante particular al punto que ya se puede hablar de un sonido de cumbia típicamente adaptado en Chile. wikipedia
La Cumbia Chilena
La Cumbia chilena, es un subgénero de cumbia, surgida en Chile en los años 60'. Derivó de la cumbia colombiana, incorporando elementos de la música chilena tanto folclóricos como populares. Actualmente cuenta con gran popularidad. wikipedia
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Cumbia Chilena
En Chile, la cumbia fue igualmente introducida por las grabaciones hechas en Colombia, así pues la cumbia chilena nació cuando Luisín Landáez, un cantante venezolano, logró éxito con temas como "Macondo" o "La Piragua" y la colombiana llamada Amparito Jiménez que grabó en Chile "La pollera colorá" y otros.
Posteriormente, fue La Sonora Palacios el combo que logró que la cumbia entrara definitivamente en el gusto popular. Temas como: "El caminante", "Los Domingos" y "El galeón español", se hicieron muy populares. En los años 60`s, estos temas tuvieron tal aceptación que luego muchos grupos chilenos que hasta ese entonces tocaban ritmos centroamericanos en hoteles y boites derivaron a la cumbia. Desde ésa época, este estilo musical, evolucionó de manera bastante particular al punto que ya se puede hablar de un sonido de cumbia típicamente adaptado en Chile. Pocos temas musicales han sido de trascendencia en el resto del continente, sin embargo, el "Candombe para José" del dominio público chileno, se ha hecho famoso en el continente al ser un tema adaptado a cumbia llamado "El negro José". wikipedia
jueves, 29 de julio de 2010
Uruguay
La música más que otras, no reconocen las fronteras políticas, comparte muchos ritmos con sus vecinos: por el norte y por el este con Brasil, por el oeste y a través del Río de la Plata, con Argentina, e inclusive, con Paraguay, ya que la cultura guaranítica atraviesa las provincias del Litoral argentino y penetra en la Banda Oriental. Así aparecen géneros compartidos como la milonga, el gato, el estilo, la litoraleña, el pericón, la cifra, la chamarrita, la vidalita, el rasguido doble, el triste, el cielito, la maxixa, el xote, la polca, el chico zapateado, etc., pero la música de Uruguay posee además ritmos que le son exclusivos, como el candombe montevideano y la murga uruguaya, que tienen su apogeo en el Carnaval, o la serranera, creada en Treinta y Tres por Rubén Lena. Y así como en algún momento aparece el candombe en Buenos Aires, pero con un alcance limitado, existe también el tango en Montevideo, con un desarrollo independiente del argentino. wikipedia
Timor Oriental
Al igual que Filipinas, podemos también incluir acá a Timor Oriental. País que fue una colonia portuguesa y después que fuera anexada a la fuerza por Indonesia en 1975 hasta su total y completa independencia en 2002, durante esos años no se conocía mucho de su música. Tras alcanzar su independencia y soberanía propia, el país asiático se dio a conocer su propio estilo musical dentro de lo folclórico. La música timorense está influenciado con la portuguesa, mestizada con la Indonesia, las diferentes culturas indígenas en Oceanía y en menor medida la china. Además se asemeja en algunos ritmos musicales de Brasil. wikipedia
Portugal
La música latina transmitida como sucedió con la influencia española y la francesa, también Portugal ha transmitido por esta parte del continente como su antigua colonia como Brasil. Aunque también existe alguna mínima influencia por Uruguay debido algunas precisiones históricas, aunque mezclada con la influencia hispana. wikipedia
miércoles, 21 de julio de 2010
Obras principales de Paul Hindemith
- Sancta Sussana, ópera en un acto sobre libreto de August Stramm (1922)
- Kammermusik (Música de cámara, conciertos para diversos instrumentos, 1922-1927)
- Concierto para orquesta op 38 (1923)
- Das Marienleben, ciclo de canciones sobre poemas de Rilke (1923)
- Cardillac, ópera sobre libreto de Franz Ferdinand (1926)
- Ida y vuelta, ópera sobre libreto de Marcellus Schiffer (1928)
- Noticias del día, ópera sobre libreto de Marcellus Schiffer (1930)
- Concierto Filarmónico (1930)
- Música concertante para cuerdas y metal (1932)
- Mathis der Maler´(Matías el pintor), ópera sobre libreto propio (1934).
- Der Schwanendreher, concierto para viola y orquesta (1935)
- Trauermusik (1936)
- Mathis der Maler (sinfonía, 1938)
- Nobilíssima visione, ballet (1938)
- Tema y variaciones: los cuatro temperamentos para orquesta de cuerda y piano (1940)
- Metamorfosis sinfónicas sobre temas de Carl Maria von Weber (1943)
- Symphonia Serena (1946)
- When Lilacs Last in the Dooryard Bloom'd, réquiem para coro y orquesta, basada en poemas de Walt Whitman (1946)
- Armonía del mundo (ópera, 1953)
- Armonia del mundo (sinfonía, 1957)
- Misa para coro mixto a capella (1963)
- Lied: Wir Bauen eine neue Stadt (1923)
- Cinco cuartetos de cuerda wikipedia
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Paul Hindemith - obras
No obstante, todas las obras posteriores a 1935 muestran que en Hindemith se produce una ruptura en ese momento, debido quizá a las presiones políticas de que fue objeto. Su estilo neoclásico se hace más tradicional, y empieza a componer de forma sistemática basándose en su tratado. También revisa y publica nuevas versiones de muchas de sus más importantes obras anteriores, revisiones en las que cambia sustancialmente el contenido original, por lo que siempre es más aconsejable escuchar las primeras versiones de estas obras. La obra más famosa de Hindemith en esta época probablemente son las Metamorfosis sinfónicas sobre un tema de Carl Maria von Weber, escritas en 1943. En esta composición, Hindemith se sirve de melodías de Carl Maria von Weber, sobre todo duetos para piano, pero también de un tema de la obertura de su música incidental para Turandot de Schiller. En su último periodo, encontramos en su música una mezcla entre este neoclasicismo tardío y un lenguaje bastante cerebral, complejo y nada accesible, basado muchas veces en la aplicación directa de su procedimiento armónico. La obra más destacable de esta época fue la ópera Armonía del mundo (1953), basada en la vida del astrónomo Johannes Kepler. wikipedia
Paul Hindemith y su historia
También durante los años 30 Hindemith comenzó a escribir cada vez más para grandes conjuntos orquestales, con obras como Música concertante para cuerdas y metal (1930) o el Concierto Filarmónico (1932). En 1933-35, escribió su ópera Mathis der Maler (‘Matías el pintor’), basada en la vida del pintor renacentista alemán Matthias Grünewald, sobre un libreto propio. Es considerada su mayor logro en el terreno de la ópera, y la sinfonía Mathis der Maler, basada en pasajes instrumentales de la misma, es una de sus obras más apreciadas.
Hindemith, como Kurt Weill y Ernst Krenek, escribió Gebrauchsmusik (‘música útil’), o sea música con un propósito político y social preciso, e incluso pensada para ser tocada por aficionados. Un ejemplo es su Trauermusik (‘música fúnebre’), escrita en 1936. Hindemith estaba preparando un concierto para la BBC cuando se enteró de la muerte del rey Jorge V. Rápidamente compuso esta pieza para viola y orquesta de cuerda, que fue interpretada el mismo día. Más tarde Hindemith rechazó el término Gebrauchsmusik, considerándolo equívoco. Por otra parte, Hindemith escribió sonatas de cámara para prácticamente todos los instrumentos, que suponen excelentes ejercicios sin renunciar a un lenguaje propio de la música contemporánea, por lo que es un compositor conocido entre los estudiantes de cualquier instrumento.
A finales de los 30, Hindemith escribió un tratado de música titulado El arte de la composición musical en el que clasifica todos los intervalos musicales, desde el más consonante al más disonante. Este texto fija la técnica compositiva de Hindemith, que siguió usando el resto de su vida. Por otra parte este libro es el más conocido entre las numerosas obras teóricas que escribió durante toda su vida, por las que es considerado uno de los musicólogos más importantes del siglo XX.
Su obra para piano Ludus Tonalis (1942) es un claro ejemplo del uso de la nueva clasificación de los intervalos. Contiene doce fugas, a la manera de Johann Sebastian Bach, conectadas entre sí por un interludio durante el que la música se desplaza desde la tonalidad de la fuga precedente a la de la fuga siguiente. wikipedia
Paul Hindemith y su música
Hindemith es considerado como uno de los músicos alemanes más importantes del siglo XX. Sus primeras obras son todavía de inspiración romántica (como el Cuarteto en do mayor o la Lustige Sinfonietta), y muestran la influencia de Johannes Brahms y de Max Reger; pasó después por una etapa expresionista, similar en su estilo a la del joven Schönberg. Más tarde desarrolló un estilo propio, que algunos consideraron (todavía hoy) de difícil comprensión. Ha sido descrito como neoclasicismo, pero es muy diferente al de las obras de Ígor Stravinski denominadas del mismo modo, estando su estilo mucho más cerca del estilo contrapuntístico barroco de Bach que de la claridad clásica de Mozart.
En la etapa expresionista de Hindemith destacan numerosas obras de cámara y canciones como el ciclo Muerte de la muerte, pero sobre todo se hizo célebre por una serie de óperas cortas, con libretos a menudo escandalosos que hicieron que adquiriera fama de compositor provocativo, y que fueron compuestas entre 1920 y 1923. Estas obras son Asesinos, esperanza de las mujeres, sobre texto del pintor Oskar Kokoschka, la comedia burlesca Nuschi-nuschi, y Sancta Sussana. A medida que avanzaban los años 20, su estilo expresionista se va acercando cada vez más al clasicismo basado en el contrapuntismo barroco. Su primera obra en este estilo es Marienleben (Vida de María, 1923), un extraordinario ciclo de canciones basado en poemas de Rainer Maria Rilke. Este nuevo estilo aparece también en una serie de obras llamada Kammermusik (‘música de cámara’) que datan de 1922 a 1927. Cada una de estas piezas fue escrita para un conjunto diferente de instrumentos (siendo algunos de estas agrupaciones completamente atípicas). Por ejemplo, la Kammermusik n.º 6, es un concierto para viola d'amore, un instrumento que había caído en desuso desde finales de la época barroca. Hindemith siguió componiendo durante toda su vida para este tipo de conjuntos, produciendo una sonata para contrabajo y piano en 1949, por ejemplo. En este estilo creó también algunas óperas importantes: Cardillac (1926), que fue considerada el mejor ejemplo de ópera alemana del neoclasicismo, la brevísima Ida y Vuelta (1928) y Noticias del día (1930). El libreto de esta última ópera enfureció personalmente a Adolf Hitler, a pesar de que en su momento fue un éxito, y su estilo cercano a veces al jazz, la comedia musical y el cabaret llegó a influir en obras de Arnold Schönberg (Von heute auf Morgen) y de Alban Berg (Lulú). wikipedia
Paul Hindemith entre 1935 -1937
Entre 1935 y 1937 fue invitado por el gobierno de Turquía, como asesor para crear un sistema de educación musical al modo occidental. En esos años, y tras la llegada de Hitler al poder, su situación fue haciéndose cada vez más complicada. Su música fue considerada "degenerada" por los nazis, y en 1938 se expatrió en Suiza. Previamente, el director Wilhelm Furtwängler había intentado interceder por él, pero los ensayos de su ópera "Matías el pintor" precipitaron su salida de Alemania. En ésta debieron de influir tanto su cercanía a la música de vanguardia (Joseph Goebbels dijo de él que era "un simple productor de ruidos atonales"), como el hecho de que la mujer de Hindemith fuera hija de un judío, el director de orquesta Ludwig Rottenberg. Tras un periodo en Suiza, en 1940 emigró a Estados Unidos, donde enseñó composición musical en las universidades de Yale y de Harvard. En 1948 se nacionalizó estadounidense, pero regresó a Europa en 1953, estableciéndose en Zúrich, en cuya universidad dictó la cátedra de musicología. En sus últimos años, Hindemith desarrolló una importante carrera como director de orquesta. De este trabajo queda el testimonio de numerosas grabaciones. wikipedia
Paul Hindemith
Paul Hindemith (Hanau, 16 de noviembre de 1895 – Fráncfort del Meno, 28 de diciembre de 1963) fue un compositor y musicólogo alemán. Su nombre se pronuncia como en idioma alemán: pául (y no como en inglés: pol).
Debido a la oposición paterna a sus ambiciones musicales, abandonó su casa a los once años, además en su juventud empezó a escuchar la viola, piano, percusiones en restaurantes, tabernas y en cafés y teatros para poder pagarse los estudios en el Conservatorio de Fráncfort, manteniéndose a base de tocar en bandas de música.
En 1915, antes de cumplir los veinte años era ya el director adjunto de la Ópera de Fráncfort, puesto que mantuvo hasta 1923. Para entonces, Hindemith ya era un compositor reconocido en los círculos de música de vanguardia. Como organizador desde 1923 del Festival de Donaueschingen, pudo programar obras de compositores contemporáneos como Anton Webern y Arnold Schönberg.
Desde 1927 fue profesor de composición en el Conservatorio Superior de Música de Berlín. En 1929 fundó el cuarteto Amar, en el que tocaba la viola, y con el que realizó numerosas giras de conciertos por toda Europa. También realizó durante toda su vida giras como intérprete solista de violín y sobre todo de viola, ya que adquirió reputación de ser uno de los mayores virtuosos de este instrumento. wikipedia
Karl Amadeus Hartmann - Influencias en su música
Hartmann no siguió ningún sistema o escuela particular, tampoco fue profesor. Su individualidad se desarrolló a partir de variadas fuentes. Hay lazos con Anton Bruckner en la amplitud de sus planes sinfónicos y también una tendencia hacia Mahler en las obras precedentes a la Primera Sinfonía (1937). Sus afinidades con Max Reger fueron más obvias, sobre todo en la rítmica marcada, en los temas fugales neo-barrocos y en la ocasional densidad sonora.
Otros elementos importantes sobre su estilo provienen de Stravinsky y Bartok. Aunque Webern fue uno de sus maestros, no tuvo una influencia inmediata sobre la música de Hartmann. No obstante su ejemplo afectó la preocupación de Hartmann por el detalle. Una última influencia provino de Blacher. Pero Hartmann no imitó a estos modelos ni fue un ecléctico. Más que nada los empleó como estímulos creativos combinándolos con cierta independencia. wikipedia
Karl Amadeus Hartmann
Karl Amadeus Hartmann ( Múnich, 2 de agosto de 1905 - 5 de diciembre de 1963,) Compositor alemán del siglo XX. Fue conocido principalmente por su labor difusora de la música de su tiempo y por sus obras orquestales, especialmente sus sinfonías.
[editar] Biografía
Hartmann estudió con Robert Haas en la Academia de München (1924-27), fue alumno de Hermann Scherchen, quien tuvo una influencia decisiva en su posterior desarrollo. Durante el régimen nazi, se retiró de la vida musical germana y no permitió que sus obras se interpretaran en su país, a pesar de que en el extranjero iba ganando fama.
En 1933 su Concertino fue estrenado en Estrasburgo y dos años después la sinfonía Miserae se presentó en el festival ISCM en Praga. El primer cuarteto para cuerdas recibió el primer premio en la competencia Carillon de Ginebra de 1936. Un año más tarde la cantata Friede-Anna 48 recibió una distinción en Viena y en 1939 la sinfonía L’Oeuvre fue estrenada en Lieja. Al año siguiente el Concerto Fúnebre fue estrenado en St.Gall. Sin embargo, todas estas obras fueron retiradas por Hartmann después de estudiar entre 1941 y 1942 con Webern.
Inmediatamente terminada la guerra, Hartmann fundó la serie de conciertos Musica Viva en München, un proyecto que rápidamente tuvo resonancia internacional y que estableció el modelo para muchas empresas similares. No fue hasta el estreno en Darmstadt de la Symphonische Ouverture (otra partitura posteriormente retirada) en 1947, que Hartmann comenzó a tener una reputación en Alemania como compositor. Varios premios se sucedieron entre 1950 y 1962, tanto en Alemania como en el extranjero. wikipedia
Guillermo Graetzer y sus obras
Pedagogía musical
- La ejecución de los ornamentos en las obra de Bach, 1958, Ed. Ricordi Americana, ISBN 978-950-22-0270-9.
- Música para niños: guía para la práctica de Orff, 1983, Ed. Ricordi Americana, ISBN 978-950-22-0264-8.
Composiciones musicales
- 1940 Siete princesas muy desdichadas, Ballet, Libreto de Tulio Carella.
- 1940 Danzas antiguas de la corte española, Suite orquestal.
- 1942 Jerusalem eterna, Cantata para solistas, coro mixto, coro de niños y guitarra.
- 1952 Concierto para fagot y orquesta.
- 1989 La creación según el Pop wuj maya, Oratorio-Ballet.
- 1987 Música para la juventud, 17 estudios orquestales de expresión, estilo y técnica para orquestas juveniles.
- 1992 ... Y el avión de la Panamerican vuela sobre la pirámide, Recitante y Orquesta de Cámara.Poemas de Ernesto Cardenal. wikipedia
academias de musica
Guillermo Graetzer
Guillermo Graetzer (nacido Wilhelm Grätzer en Viena, 5 de septiembre de 1914 - Buenos Aires, 22 de enero de 1993 ) fue un compositor y pedagogo argentino.
Realizó sus estudios musicales en Berlín con Ernst Lothar Von Knorr y Paul Hindemith, y en Viena, con P.A. Pisk (alumno de Arnold Schönberg), hasta que en 1939 huyendo del nazismo emigra a la Argentina.
Ya en Buenos Aires escribió una versión para Sudamérica del Método Orff,dirigió el coro Asociación Amigos de la Música de Buenos Aires, y en 1946 fundó el Collegium Musicum de Buenos Aires.
Fue maestro de composición, orquestación y dirección de coro en la Universidad Nacional de La Plata, que le otorgó el título de profesor emérito.
Como reconocimiento póstumo, la Sociedad Argentina de Autores y Compositores creó el concurso de composición Guillermo Graetzer y la Fundación Konex le asignó el Premio Konex de honor en música clásica. wikipedia
Berthold Goldschmidt y sus obras
- Ópera
- Der gewaltige Hahnrei, op. 14 (1929-30). Una tragicomedia musical comedia en tres actos.
- Beatrice Cenci (1949-50). Ópera en tres actos.
- Obras orquestales
- Passacaglia op. 4 (1925)
- Obertura: La comedia de errores (1925/28)
- Suite op. 5 (1927)
- Partita op. 9 (1927)
- Der gewaltige Hahnrei: Suite op. 14 bis (1933)
- Marche Militaire op. 20 (1932) para orquesta o banda de viento.
- Ciaccona Sinfónica (1936)
- Crónica (1938/58/86)
- Danza Suite polaco (1939-40)
- Suite griego (1940-41)
- Concierto para violín (1952/55)
- Concierto para violonchelo (1953)
- Concierto para clarinete (1953-54)
- Intrada (1985) para orquesta o banda de viento
- Rondeau "Rue du Rocher" para violín y orquesta (1994-95)
- Obras de cámara
- Cuarteto de Cuerdas N º 1 op. 8 (1925-26)
- Cuarteto de Cuerdas N º 2 (1936)
- Villancicos para trío de cuerdas (1948)
- Cuarteto para clarinete (1982-83)
- Piano Trío (1985)
- Cuarteto de Cuerdas N º 3 (1988-89)
- Berceuse para violín y viola (1990)
- Retrospectrum para trío de cuerdas (1991)
- Fantasía para oboe, arpa y violonchelo (1991)
- Capriccio para violín solo (1991-92)
- Cuarteto de Cuerdas N º 4 (1992)
- Diálogo con Cordelia para clarinete y violonchelo (1993)
- Encore, una meditación agitada para violín y piano (1993)
- Rondeau "Rue du Rocher" para violín y piano (1994-95)
- Obras vocales
- Dos canciones Morgenstern op. 27 para voz y piano o cadena trío (1933 arr.1992)
- Tres Canciones op. 24 para soprano y piano (1933-34)
- Dos Salmos op. 34 para alto y orquesta de cuerdas (1935)
- Der Verflossene. Cabaret Canción para voz y piano (1942)
- La canción de Beatrice para soprano y piano (1949)
- Tiempo para voz y piano (1943)
- Nicodemo (1948)
- Nubes para voz y piano u orquesta (1950)
- Canciones del Mediterráneo para tenor y orquesta (1957-58)
- Les petits adieux para barítono y orquesta (1994)
- Deux nocturnos para soprano y orquesta (1995-96)
- Coral
- Letzte kapitel op. 15 (1930-31) para el orador, coro, percusión y piano
- Belsatzar (1985) para coro no acompañados
- Obras para piano
- Sonata para piano op. 10 (1926)
- Capriccio op. 11 (1927)
- Marche Militaire op. 20 (1932)
- Variaciones sobre una canción del Pastor Palestina op. 32 (1934)
- Desde el Ballet (1938/57)
- Scherzo (1922/58)
academias de musica
Berthold Goldschmidt
Berthold Goldschmidt fue un compositor alemán (aunque vivió gran parte de su vida en Gran Bretaña) nacido en Hamburgo el 18 de enero de 1903 y fallecido en Londres el 17 de octubre de 1996.
Perseguido por el régimen nazi[1] e incomprendido por muchos modernistas que criticaban su “anacrónico” lirismo, su obra pasó desapercibida hasta su renacimiento en la última década de su vida.
La carrera musical de Goldschmidt comenzó durante los años 20 del siglo pasado, en tiempos de la República de Weimar en Alemania junto a maestros como Ernst Krenek, Paul Hindemith y Erich Wolfgang Korngold. En sus tiempos de estudiante de filosofía en la Universidad de Hamburgo, el compositor italiano Ferruccio Busoni le alentó a escribir música.
Su primer gran éxito es una obra de 1925, su Passacaglia opus nº 4, que le significó el prestigioso Premio Mendelssohn. Con un futuro prometedor, Goldschmidt alcanzaba un inicial climax en su carrera musical en 1932, con el estreno de su ópera Der gewaltige Hahnrei en Mannheim. Pero el inmediato ascenso de los nazis al poder (en 1933) cortó su trayectoria, condenando su obra como “música degenerada” y siendo incluido en la nómina de compositores judíos (además de otros no judíos) que alteraban la pureza musical de Alemania. Esto significó la cancelación de sus actuaciones, la prohibición de su obra en el país y la imposibilidad de realizar conciertos, lo que le abocó a subsistir dando clases de piano, hasta que emigró a Inglaterra en 1935.[2]
Durante la Segunda Guerra Mundial trabaja para la BBC, mientras compone obras como su Concierto para violín, violonchelo y clarinete, La Chacona Sinfónica o la ópera Beatrice Cenci. En 1947 obtiene la nacionalidad británica.
En los años 50 y 60 ganó varios premios de composición y realizó una edición de la Décima Sinfonía de Gustav Mahler.
Durante sus últimos años de vida experimento el auge de los compositores de la llamada “música degenerada”, reactivándose su labor en países como los Estados Unidos o su patria inicial, Alemania, con nuevas grabaciones de sus trabajos. Poco antes de morir escribió su trabajo final, el Deux Nocturnes, a la edad de 93 años. wikipedia
Hanns Eisler - Deportación y regreso a Alemania
La prometedora carrera de Eisler en los Estados Unidos fue interrumpida por la Guerra Fría. Él fue uno de los primeros artistas colocados en la Lista Negra de Hollywood por los jefes de estudios cinematográficos. En dos interrogatorios del Comité de la Casa Blanca para Actividades Antiamericanas, el compositor fue acusado de ser "el Karl Marx de la música" y el agente jefe soviétivo en Hollywood. Los defensores de Eisler - entre los que estaban su amigo Charlie Chaplin y los compositores Ígor Stravinski, Aaron Copland y Leonard Bernstein — organizaron conciertos de beneficio para juntar fondos para su defensa, pero fue deportado pronto en 1948. La canción de Woodie Guthrie Eisler on the Go - que no pudo ser grabada y fue posteriormente adaptada por Billy Bragg & Wilco en el álbum Mermaid Avenue - es una protesta contra este hecho.
Eisler regresó a Alemania y se estableció en Berlín Este. Ahí compuso el himno nacional de la República Democrática Alemana (Auferstanden aus Ruinen), un ciclo de canciones al estilo del cabaret con poemas satíricos de Kurt Tucholsky y música incidental para teatro, cine y televisión. Su proyecto más ambicioso de este período, una ópera moderna sobre el tema de Fausto, fue atacado por los censores comunistas y no fue terminada. Irónicamente, menos de cinco años después de que fuera deportado de los Estados Unidos por su abierto apoyo al comunismo, Eisler fue forzado nuevamente a testificar en audiencias donde su lealtad política fue cuestionada. Si bien continuó componiendo y enseñando en el conservatorio de Berlín Este, la distancia entre Eisler y los funcionarios culturales de la Alemania del Este se fue agrandando en la última década de su vida. Eisler nunca se recuperó completamente de la muerte de Brecht en 1956 y en los años restantes cayó en una profunda depresión, que deterioró progresivamente su salud.
Murió en Berlín Este, está enterrado cerca de Brecht (y su mujer, la actriz Helene Weigel) en el cementerio de Dorotheenstadt (Berlín). wikipedia
Hanns Eisler el exilio
Después de 1933, la música de Eisler y la poesía de Brecht fueron censuradas por el Partido Nazi. Ambos artistas pasaron a la generación de exiliados anti-nazis que buscaron refugio en Estados Unidos. En Nueva York, Eisler enseñó composición en la New School y escribió música experimental de cámara y para documentales. Al trasladarse poco después a Los Ángeles, compuso música cinematográfica para Hollywood, dos de las cuales —Hangmen Also Die y None but the Lonely Heart — fueron candidatas al Oscar. En 1947 escribió el libro Composing for the Films (Componer para el cine) con Theodor Adorno. Pero en varias composiciones de música de cámara y corales de este período, Eisler regresó al dodecafonismo que había abandonado en Berlín. Sus Fourteen Ways of Describing the Rain (14 maneras de describir la lluvia) — compuesta para el 70º cumpleaños de Arnold Schönberg -es considerada una obra maestra del género.
Las dos obras más notables de Eisler en los años 30 y 40 fueron la monumental Deutsche Sinfonie (Sinfonía Alemana de 1935-1957) — una sinfonía coral en once movimientos basados en poemas de Brecht e Ignazio Silone — y un ciclo de canciones artísticas (lieder) publicado como el Hollywooder Liederbuch (1938-1943). Con poemas de Brecht, Eduard Mörike, Hölderlin y Goethe, se consolidó la reputación de Eisler como uno de los compositores más importantes de lieder alemanes. wikipedia
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